Face à la concurrence féroce de Netflix ou d’Apple TV+, Disney+ a su diversifier son offre de streaming de manière spectaculaire. Derrière la vitrine des grands classiques familiaux se cache un répertoire adulte, sombre, drôle et profondément marquant, hérité des catalogues de la FOX et de Searchlight Pictures.
Pour vous éviter de passer des heures à scroller indéfiniment sur votre écran, nous avons opéré un tri drastique parmi les meilleures recommandations de l’année 2026. Du grand spectacle hollywoodien au cinéma d’auteur oscarisé, voici notre guide des longs-métrages incontournables sur la plateforme.
Si vous n’avez pas Disney+, on a aussi un top des meilleurs films sur Netflix, ou encore les meilleures séries. Vous avez envie de vous concentrer sur un genre en particulier ? Découvrez donc cette sélection des meilleurs films d’action.
Nightmare Alley (Guillermo del Toro)
Sorti au cinéma début 2022, ce somptueux film noir est l’une des œuvres les plus visuellement sidérantes de Guillermo del Toro, bien qu’il ait été boudé à tort lors de sa sortie en salles. L’intrigue suit Stanton Carlisle (Bradley Cooper), un homme mystérieux et charismatique qui trouve refuge au sein d’une foire itinérante. En apprenant les secrets des forains, il développe un talent hors pair pour le mentalisme et l’art de l’illusion.
Quelques années plus tard, Stanton est devenu une vedette des salons huppés du New York des années 1940. Sûr de sa force, il s’associe à une psychiatre aux intentions troubles (Cate Blanchett) pour tenter d’escroquer un homme d’affaires richissime et dangereux. Del Toro signe clairement une fresque psychologique à l’atmosphère aussi élégante que poisseuse, imprégnée par l’imagerie du cinéma fantastique classique, où Bradley Cooper livre l’une des performances les plus folles de sa carrière.
Le Dernier Duel (Ridley Scott)
Malgré un échec injuste lors de sa sortie au box-office mondial, Le Dernier Duel, ce drame historique, s’impose sans conteste comme l’un des sommets de la filmographie récente de Ridley Scott. Basé sur des faits réels, le long-métrage retrace le dernier duel judiciaire officiel connu en France au Moyen Âge. Cette confrontation à mort, surnommée le « Jugement de Dieu », voit s’affronter Jean de Carrouges (Matt Damon) et Jacques Le Gris (Adam Driver), deux amis d’enfance devenus rivaux acharnés. Évidemment, on regrettera que des Français fameux soient joués par des Américains, mais c’est la vie.
L’immense force du film réside dans sa structure narrative. Le récit est découpé en trois chapitres distincts représentant le point de vue de chaque protagoniste, pour finir sur la vérité brute de Marguerite de Carrouges, incarnée par la magistrale Jodie Comer. Ce procédé apporte une modernité thématique saisissante à cette fresque médiévale, sublimée par des combats d’une brutalité mémorable. Peut-être encore un peu trop de filtre bleu à notre goût au niveau de l’image, un détail.
Le Cercle des Poètes Disparus (Peter Weir)
Un monument de nostalgie, de tendresse et d’émotion qui traverse les époques sans prendre une seule ride. L’histoire s’installe en 1959 au cœur de la prestigieuse et très austère académie de Welton, un pensionnat américain rigide où le conformisme est érigé en loi de fer. Le quotidien morne des étudiants va être totalement bouleversé par l’arrivée de John Keating, un professeur de littérature aux méthodes d’enseignement révolutionnaires et profondément humaines.
En prêtant ses traits à cet enseignant hors norme, le regretté Robin Williams livrait l’une des performances les plus vibrantes, solaires et émouvantes de sa riche carrière. En poussant ses élèves à fuir les sentiers battus et à embrasser le fameux concept du Carpe Diem, il donne vie à un hymne universel à la liberté de penser. Un chef-d’œuvre absolu, porté par des répliques cultes qui continuent d’inspirer des millions de spectateurs. Clairement, Williams était un géant, paix à son âme.
Nomadland (Chloé Zhao)
On reste dans la poésie. Grand triomphateur de la cérémonie des Oscars en 2021 avec les statuettes du Meilleur Film, de la Meilleure Réalisation et de la Meilleure Actrice, Nomadland est un voyage cinématographique d’une poésie rare. L’immense Frances McDormand y incarne Fern, une femme sexagénaire qui choisit de tout plaquer et de prendre la route à bord de son van aménagé après avoir perdu son emploi et son mari lors de la Grande Récession.
À mi-chemin entre le documentaire réaliste et la fiction intimiste, la réal Chloé Zhao capte avec une immense pudeur la vie de ces nouveaux nomades américains, oubliés du capitalisme, qui tentent de se reconstruire une dignité en marge de la société. Les paysages grandioses de l’Ouest américain se marient à merveille avec la performance épurée et bouleversante de son actrice principale. Un film d’une douceur et d’une mélancolie désarmantes. Par contre, on vous déconseille le film si vous n’avez pas trop le moral.
Alien : Le Huitième Passager (Ridley Scott)
Plus de quarante ans après sa sortie sur les écrans, le premier opus de la saga Alien demeure une leçon absolue de mise en scène, de terreur claustrophobe et de science-fiction spatiale. L’intrigue suit le quotidien d’un équipage de camionneurs de l’espace à bord du vaisseau commercial Nostromo. Après avoir intercepté un mystérieux signal de détresse sur une planète déserte, ils ramènent inconsciemment à bord une forme de vie extraterrestre d’une agressivité absolue.
Ridley Scott signe ici un huis clos spatial poisseux et terrifiant, où la menace rôde constamment dans les recoins sombres des conduits d’aération. En propulsant le personnage d’Ellen Ripley (interprété par une impériale Sigourney Weaver) en première ligne, le film a révolutionné la place des femmes dans le cinéma d’action. La direction artistique industrielle et le design organique de la créature imaginée par H.R. Giger restent d’une modernité plastique hallucinante. Inutile de le présenter davantage, c’est un film culte à voir et à revoir.
The Menu (Mark Mylod)
Pour remplacer les confins de l’espace, place à la haute gastronomie grinçante avec ce thriller satirique jubilatoire à ne pas mettre sous toutes les dents. L’histoire de The Menu suit un jeune couple, incarné par Anya Taylor-Joy et Nicholas Hoult, qui voyage jusqu’à une île côtière isolée pour dîner dans un restaurant ultra-sélect. Le chef cuisinier de renommée mondiale, Julian Slowik (interprété par un terrifiant Ralph Fiennes), leur a préparé un menu somptueux et conceptuel.
Cependant, au fil des plats, l’ambiance feutrée du restaurant bascule. Le chef commence à révéler des surprises de plus en plus macabres et dérangeantes à ses invités triés sur le volet. Véritable jeu de massacre psychologique, The Menu est une critique féroce, drôle et sanglante de la bourgeoisie et du snobisme culinaire, portée par un face-à-face final d’une tension absolument mémorable.
Black Swan (Darren Aronofsky)
Natalie Portman a légitimement décroché l’Oscar de la Meilleure Actrice pour sa performance physique et psychologique dans ce cauchemar éveillé signé Darren Aronofsky. Elle y prête ses traits à Nina, une danseuse de ballet perfectionniste, fragile et obsessionnelle au sein du prestigieux New York City Ballet. Sa vie bascule lorsqu’elle obtient le rôle principal du Lac des Cygnes, une double partition qui exige d’elle autant la pureté du Cygne Blanc que la sensualité sombre du Cygne Noir.
Poussée dans ses derniers retranchements par un chorégraphe tyrannique et manipulateur (Vincent Cassel) et menacée par l’arrivée d’une rivale charismatique (Mila Kunis), Nina s’enfonce lentement dans une psychose terrifiante. Aronofsky filme cette descente aux enfers avec une caméra nerveuse, transformant les coulisses de la danse en un thriller d’épouvante psychologique étouffant, où la frontière entre le réel et l’hallucination finit par se dissoudre.
Borat (Larry Charles)
Terminons cette sélection sur une note de provocation satirique absolue avec la comédie la plus irrévérencieuse et politiquement incorrecte des années 2000. L’audacieux comédien britannique Sacha Baron Cohen donne corps et âme à son personnage culte : un journaliste kazakh candide, outrancier et profondément misogyne, envoyé par son gouvernement aux États-Unis pour y réaliser un documentaire sur la culture de la plus grande nation du monde.
Le génie de Borat repose sur son dispositif technique : le film est tourné en grande partie sous la forme d’un faux documentaire en caméra cachée, confrontant de vrais citoyens américains à l’absurdité totale du personnage. Derrière la grossièreté apparente des gags et les situations d’un malaise mémorable, le film dresse un portrait d’une cruauté salvatrice sur l’hypocrisie, le racisme latent et les contradictions de l’Amérique moderne.
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